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Lita Cabellut: el arte no se piensa, se vomita

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La innegable y poderosa fuerza que emana de la obra de Lita Cabellut (Sariñena, Huesca, 1961) ha sido insistentemente explicada a la sombra de la explosiva mixtura entre la pasión- herencia de su origen gitano- y la experiencia vital de la propia artista, cuya infancia salpicada de penurias, ausencias y enormes retos, propiciaría toda su potencia expresiva, su compasión y su empática percepción.  No es casualidad que luzca ya, en vida, como un genuino mito del arte.

La niña de 13 años que un día en el Museo del Prado y frente a Las Tres gracias de Rubens le dijera a su madre adoptiva “AMÁ, YO VOY a ser artista”, en 2016 sería la pintora española más cotizada del momento, según la principal base de datos del mercado de las subastas (Artprice). No es para menos.

Pese a aquella valoración la artista se encarga de restarle hoy importancia al hecho, y con rotunda humildad expresa: “La verdad es que el arte está por encima de las cifras, de los halagos provocados por un buen Marketing. En mi vida íntima aquello es simplemente una anécdota simpática. Si me lo tomara en serio mi vida de artista correría un gran peligro”.

En esta entrevista que concede en exclusiva para El Fisgón, Lita Cabellut expone sus emociones y enfoque mientras nos rendimos a su imponente obra.

Lita Cabellut. Secret Behind the veil
Lita Cabellut. Secret Behind the veil

MUNICIÓN EMOCIONAL

Los colosales lienzos de Lita Cabellut son la ventana al universo psicológico de personajes sorprendidos en su más profunda intimidad. La potente carga volitiva que les subyace es, al tiempo, la voz de una artista volcada en tremendas texturas, en vigorosos trazos, en frenéticas salpicaduras y sobre todo, en miradas y pieles, ansiedades y nostalgias, en desazón y esperas; en actitudes desafiantes y altaneras, en sensuales provocaciones, así como en ruegos y en hastío. Una munición emocional vertida y plena, disparada ante la mirada impávida de quien los contempla. Un catálogo que además, narra acaso episodios evocados por la propia Cabellut, acaso la vida del otro, la del retratado,…acaso la de todos.

En cada una de sus obras es posible rescatar trozos de luz y oscuridad al tiempo. De orden, armonía y razón, pero también del arrebato, la embriaguez y la trasgresión que rompen con todo ello. Lo abstracto y lo figurativo,  lo dionisíaco y lo apolíneo conviven en sus lienzos, antagónicos pero armónicos en su conjunto, como la propia vida: descarnada, pulsátil, incierta y caótica, pero renovadora, vigorosa, y sobretodo hermosa. Así como la vida, es su obra.

La artista que se confiesa profundamente fascinada por el ser humano, por su conducta y sus emociones, a tal grado que asegura que la psicología ha sido su pasión oculta, insiste en que aquello la motivó a iniciarse en la pintura desde los figurativos. Ya entendía por aquel entonces que se trataba de la escuela que, de manera más directa, le permitía una mejor expresión del mundo interior de sus personajes. Aunque más tarde saltará a la abstracción, y desde allí mantendrá presente recursos formales de ambas escuelas.

Sus creaciones parten en innumerables ocasiones de un tema que selecciona previamente, a manera de guion, y de modelos que ella misma escoge para vaciar de expresividad aquel rostro y traspasarlo a una especie de exégesis de emociones en cada tela.

Lilian Rosales: Para ese ejercicio intelectual que constituye la creación del guion que mencionas, ese que se adentra en una especie de poesía, supongo que ha sido preciso sentir un cierto  entusiasmo por la literatura o tener un contacto íntimo con ella…  

Lita Cabellut:“Los 2 oficios en los que me emocionaba pensar que podían ser míos son las artes plásticas y la literatura. Los he querido combinar y de esa manera he creado mis propios cuentos, mis pequeñas obras de teatro. Historias de mundos raros para niños pequeños, e historias de horror para algunos de nosotros, los mayores. No puedo separar una de la otra. Sin historia que lo sustente, no hay retrato, y mis retratos tienen que contar su propia crónica.

«En cuanto a los géneros, me pasa como con los pintores que admiro. Son demasiados para nombrarlos» ...

Cara de hombre en ArtStack
Cara de hombre en ArtStack

AUTOREFERENCIAL Y UNIVERSAL

Las palabras en la obra de Lita Cabellut adquieren una nueva dimensión, frenética muchas veces. Sus rostros nacen a la luz de singulares juegos entre ellas. Solo de ese modo es como surgen las obras “Espejos ciegos” desde los conceptos religión y  tolerancia, o “Trilogía de la duda”,  desde la confrontación entre impotencia, poder e ignorancia. Y este juego de palabras es, además, el resultado de experiencias y cavilaciones de la propia Lita en su mundo real y/o bebiendo de la literatura. En cualquier caso, sus inspiradas creaciones expelen entonces, respeto por el ser humano sin negar su fiereza, su fragilidad o sus pecados.

Curiosamente, ella dice reconocerse en cada una de sus telas y personajes porque no se puede pintar o crear algo que se desconoce, «¿qué es la empatía sino el verse identificado con el otro, con su emocionalidad, o con sus circunstancias?» Por ello, su obra es también auto-referencial y universal a la vez…

Admite la dicotomía del todo, incluso del arte y de la propia vida. Así su obra se antoja compleja y equilibrada, y trascendiendo lo meramente estético consigue adentrarse en el interior buscando una especie de exorcismo de emociones y recuerdos propios. Su trabajo, es sin dudas el reflejo de la concepción que tiene de sí misma. Y a este respecto señala: se puede ser víctima y verdugo a la vez. Nada es absoluto… y es en ese divagar donde Cabellut afirma con vehemencia estar retratada. En la “trilogía de la duda”. “Yo soy los tres, dice.  El gran dictador, la víctima y el ignorante».

Lita Cabellut. Trilogía de la duda, "Poder", 2013
Lita Cabellut. Trilogía de la duda, «Poder», 2013

Su interés por la vida de las personas, más allá de la apariencia física y de los aspectos artísticamente formales, le impactan, le inquietan e inspiran aunque parece echar siempre anclas en su enrevesada infancia: “La felicidad, el dolor son como perros caprichosos. Nunca sabes donde se van a acostar o cuando vuelven a casa. Todo lo que vivimos, es parte de lo que reflejamos”.

Pese a que comenzó su andadura profesional a los 19 años, becada en  la Rietveld Academie de Ámsterdam, guarda intacto el recuerdo de su primera clase junto a un anciano pintor de El Masnou de Barcelona, porque sería éste quien supo contener el carácter tozudo e impaciente de la Lita aprendiz, impidiéndole borrar, e instándole a repensar cada trazo antes de ponerlo sobre el soporte. La pintora comenta que debió de ser una tortura enseñarle, ya que era una niña difícil de controlar. “No quería perder un minuto”.

“LA REPETICIÓN NO ES UN TABÚ Y EL LÁPIZ ES IMPLACABLE  -Y HAY QUE RESPETARLO -PORQUE ESAS SON LAS HERRAMIENTAS INDISPENSABLES» 

Pronto descubriría, según sus propias palabras, que “sin oficio, el artista es un búho ciego”. “Que la repetición no es un tabú y que el lápiz es implacable y hay que respetarlo, porque esas son las herramientas indispensables”. “Los artistas tenemos que ser conscientes de que el oficio es necesario, para ser libres, para poder conscientemente dedicarnos a lo que el arte demanda: Dedicación absoluta. Si no estamos seguros de nuestros conocimientos, no podemos entregarnos de pleno a un proceso que requiere de toda la atención intelectual y emocional”.

DEL BÚHO CIEGO AL DEBATE 

LR: A propósito de este «Búho ciego» que  mencionas, en la actualidad existe un debate reavivado de otras épocas entorno al presunto “escaso valor” de la obra contemporánea (específicamente en lo concerniente al ready-made). Críticos catalogan a algunas obras de arte como una farsa porque que carecen de rigor académico, no se sustentan en el estudio y la disciplina. ¿Qué opinas al respecto?

LC: «Estoy de acuerdo con la opinión de que un artista debe tener una formación para el oficio, y así poder llegar al objetivo, abordar con mayor eficiencia sus sentimientos, y explotar su intelecto. El arte es observación, es reflexión, es llevar el ojo más allá de donde estamos acostumbrados a percibir. Sin conocimientos ni disciplina, sería un golpe de casualidad. En eso no nos podemos apoyar».

MÁS QUE DRAMA 

Sin quitar hierro a una historia tremenda, su vida ha sido explotada de manera sensacionalista. Aspecto que la propia artista en su casa-estudio de La Haya reconoce y evita. A esta entrevista concedida con gran afecto, Cabellut nos pide centrar nuestra atención lejos del estigma de la niña que vivió a las calles sin obviar su herencia.

LR: Entonces, ¿cuán determinante ha sido en realidad su origen gitano en la creación, el clima, la temática y el tratamiento del tema en tu obra?

LC: «Yo creo que una de las cosas más importantes a responder es que el arte no tiene raza, no tiene orígenes, no tiene sangre blanca o negra. El arte está por encima de la piel, de los rasgos».

Será la artista y la mujer que luchando en un medio masculino, alcanza su sueño y lo concilia con su otra gran carrera como madre, su interés primordial. Porque pese a lo útil que resulta el conocer su condición de pequeña huérfana, o sus orígenes gitanos a fin de comprender su trabajo, es importante destacar que esta artista abarca unas dimensiones que desbordan su pasado, inclusive desbordan al lienzo, y la inscriben como poeta, poeta de la imagen.

Lita no evita el agradecimiento a su madre adoptiva, la verdadera razón que le concedería la oportunidad de responder no solo al llamado de su sangre, sino a su pasión y a su voluntad. “Cuando tienes que sobrevivir no puedes crecer, y sin mi madre adoptiva no me hubiera desarrollado (como artista)”

Lita Cabellut disfrazada de uno de los personajes que crea antes de inmortalizarlos en sus telas
Lita Cabellut disfrazada de uno de los personajes que crea antes de inmortalizarlos en sus telas

ECLECTICISMO

Admiradora absoluta de los grandes maestros del retrato Goya, Velázquez, Ribera, está su creación toda influenciada también por Rembrandt. Ellos “están presentes en el color, en la temática, en la composición.  Son los guardianes de mi ética. Los guías en mi forma de sentir la belleza”. La luz así se constituye en el eje central de su obra forzándola a encontrar las formas y los imponentes colores que identifican su trabajo.

Pese a estas influencias, hay una suerte de eclecticismo en sus creaciones. Sus retratos  responden a una técnica sincrética celosamente guardada por la artista. Impresiona el craquelado que resulta de la ingente y exhaustiva revisión a través de la historia del arte, y de años de trabajo al costado de expertos químicos en las técnicas del fresco, para conseguir el efecto que lucen sus pieles. Desde vagabundos, prostitutas o mujeres abusadas hasta figuras inconmensurables como Trotsky o Edith Piaf, Frida Kahlo o Charles Chaplin, Coco Chanel o la Madre Teresa de Calcuta, Truman Capote o su admirado Camarón, todas adquieren -amén de su expresividad y alma propia-  un vigor sin par envueltas en las pieles que Cabellut les adjudica.

LR: Siendo la luz un eje prioritario de tu obra y el Fauvismo una reacción en contra de la importancia que habían otorgado a la luz los Impresionistas, para ellos responsable de la pérdida del color, ¿Cómo influyó el Fauvismo  -corriente con la que se identifica a tu primer maestro Miquel Vila-  en la concepción y técnica de tu obra actual? 

LC:«El Fauvismo está incorporado a mi sistema de percibir los reflejos que forman el prisma del color. Es ya natural para mí ver los matices que conforman el volumen, que abren y cierran espacios, y que acaban construyendo la imagen en su totalidad»…

LR: Entonces, ¿el color negro debe adquirir un valor especial en tu narrativa?

LC:«Profundidad, es como los puntos para la poesía».

LR: ¿A qué se debe tu selección de grandes formatos?

LC: «Es un proceso natural. Las cosas no se deciden, las cosas pasan cuando se está completamente dedicada».

Lita Cabellut. Dried Tear 52 250 x 200 cm
Lita Cabellut. Dried Tear 52 250 x 200 cm

LR: Hemos hablado que detrás de cada una de tus enormes telas hay un esfuerzo no solo intelectual, también físico, que hace que la obra desborde lo meramente figurativo y conquiste espacios para incidir de forma aplastante en el espectador. Una vez frente al imponente lienzo, ¿Qué emociona a la Lita ?

LC:«A mí me emociona la búsqueda de materiales. El perder batallas porque el ejército de la curiosidad ha vencido a mi perspectiva».

«Cuando trabajas muchas horas, cuando estás dispuesta a entregarte al oficio, a la inspiración, a lo que no controlas, entras en ese espacio donde los paisajes van cambiando con el transcurrir de los minutos, de las horas».

Happy Few, 2010. 150 x 200 cm. Colección personal, de la serie State of Grace, 2010.
Happy Few, 2010.
150 x 200 cm.
Colección personal, de la serie State of Grace, 2010.

En la obra de Lita Cabellut  hay claras reminiscencias del expresionismo abstracto de Pollock, del drama y la oscuridad que propone este autor, así como es posible percibir de igual manera rasgos del figurativo idiosincrático, propios de la pintura de Francis Bacon. Pero las técnicas y los materiales de muchas otras disciplinas también se dan cita sobre el soporte que ella emplea, y se maridan con enorme maestría. El óleo entonces se fusiona con el Street art, en los aerosoles, y la proyección es útil a las grandes dimensiones mientras la serigrafía suma sin contemplación.“Uso todas las técnicas sin condición de orden, desde las del siglo 17 a las posibilidades actuales. Desde el momento en el que creo la imagen en mis modelos hasta después de arrojarlos a un circo de proyecciones, aerosoles, pigmentos, rotuladores, tintas, óleos”...

 

«¿QUÉ ES EL NEGRO EN MI OBRA? PROFUNDIDAD. ES COMO LOS PUNTOS SUSPENSIVOS PARA LA POESÍA»

 

“Empleo 12 capas de diferentes componentes para lograr mis efectos pictóricos. Creo que podría decirse que me apoyo en técnicas modernas, con materiales de diferentes disciplinas. Hay tantos elementos involucrados que uno se apoya en el otro para conseguir el resultado máximo, aquello que está frente a mis ojos pero que mis ojos no perciben a simple vista».

Lita Cabellut, Secret behind the veil
Lita Cabellut, Secret behind the veil

LR: Tu admiración por muchos clásicos es un hecho pero ¿existe algún artista plástico de la escena contemporánea que llame especialmente tu atención?

LC:«Anselm Kiefer, por el complejo tratamiento de los materiales para abordar al ser humano dentro del cosmos, hasta conseguir una escena fragmentada y literaria como sus temas».

«Pero hay tantos excelentes artistas que siempre me molesta dar prioridad a uno más que al otro. La admiración por ellos cambia de ritmo, de lugar, y con mis propias experiencias a través del tiempo».

LR: El crítico español especialista en repertorio operístico, Raúl Chamorro Mena, hace una demoledora crítica de tu participación en la ópera de Rossini “El asedio de Corinto” con La Fura dels Baus. Pese a ello, el tándem explosivo que conformaste junto a Carlus Padrissa, y su resultado en escena, fue elogiado por innumerables voces reconocidas. ¿Qué significó esta tu primera colaboración con la Ópera?

LC:«La crítica de Chamorro es imprescindible como también son necesarios siempre, los contratiempos en nuestras expediciones. Para mí la colaboración con la Fura dels Baus fue salirme del lienzo. Atravesar las paredes de mi estudio con otros ojos. Me enriqueció de manera brutal. Podemos decir que abrió un candado que estaba allí sin razón de estar».

LR: En unas declaraciones a este respecto dijiste que tanto Padrissa como tú ven las deformaciones (lo que sale mal) y las cosas impuras como oportunidades. ¿Qué ha derivado de este encuentro?

LC:«Colaboración, solidaridad, respeto, ganas de más».

VUELTA A LA TIERRA

LR: Es un hecho que España, tu tierra de origen, pese a la innegable reputación de la que gozas como artista en grandes capitales del mundo como Nueva York, Dubái, Seúl, París, Venecia o Hong Kong, no había sabido promocionar tu obra como era merecido. La presencia de tu trabajo hasta el pasado mayo en los Espais Volart de Barcelona parece una rectificación. ¿Cuán significativo ha podido resultar el exponer nuevamente en las salas donde comenzó tu carrera?

LC:«El regresar a casa de la mano de mi admirado y querido Antonio Vila Casas fue algo que queda muy dentro, como quedan  los momentos puntuales en la carrera de una persona».

SABIO CAMARÓN, FUENTE DE INSPIRACIÓN

El enorme trabajo de Lita es un paseo por el temperamento y la curiosidad de la propia artista, por su atrevimiento y se podría decir, por buena parte de la historia de la pintura, en la depuración de su técnica y en la fusión que, como el rock hizo con la música culta y la popular, recrea, conmueve, enerva y sirve de catarsis no solo al artista sino al espectador.

Lita Cabellut Camarón
Lita Cabellut Camarón

Cabellut, que ha vivido más de la mitad de su vida en Holanda y comparte su casa-estudio en La Haya, junto a Aitana y Troy, sus dos perros, asegura  conservar a día de hoy todo cuanto sus raíces gitanas le han legado: la melancolía y el delirio, la fantasía, el coraje, la curiosidad, el pelo negro, y sobre todo, el duende. Nada más simbólico que Camarón de la Isla haya sido su maestro, según sus propias declaraciones. De él asegura haber aprendido mucho más que de pintores y escultores juntos, y recuerda que, tal como señalara a un conocido medio español y nos reafirmara en este encuentro, el legendario músico flamenco le enseñó que el arte ni se piensa ni se trabaja: “El arte se vomita, se escupe”. ¡Y qué manera de escupir ha desarrollado esta mujer!

En la actualidad
Lita Cabellut participa en una exposición colectiva en el YUZ Museum Shanghai  –   Charlie Chaplin A VIsion –  Hasta el 7 de octubre.
Para el resto del 2018:
20 september  – 23 september Masterly The Hague,
Una colectiva en la cual combinan grandes maestros con artistas contemporáneos,
La Haya –  Holanda
16/10 2018 t/m 27/1 2019. Museum Jan van der Togt.
“Una crocina de lo infinito” una retrospectiva sin cronología.
Solo Exposición, Amstelveen – Holanda
29 November  2018 SOLO exhibition Opera Gallery New York, USA
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